¿Desde hace cuanto no se ven? Hoy se cumplen 15 años del último show de Los Piojos

En medio de los rumores sobre una posible vuelta de la banda, se anuncia la publicación de su concierto de despedida, coincidiendo con los 15 años de dicho momento.

Un 30 de mayo de 2009 se daba el último concierto de Los Piojos, en el estadio de River Plate. Esa noche, la banda se despidió con la formación de Andrés Ciro Martínez, Tavo Kupinski, Micky Rodríguez, Sebastián Cardero y Juanchi Bisio. A ellos se le unio Daniel Buira, baterista original (entre 1989 y 2000), como invitado especial en canciones como "Verano del 92", "Desde lejos no se ve" y "Cruel". Siendo la gran ausencia de esa noche el exguitarrista y miembro fundador del grupo, Daniel Alberto "Piti" Fernández, que para ese momento ya no podia estar cerca de Ciro tras varios años de conflicto. Además, Piti dejaria la banda un año antes de esta última gira, dedicándose desde entonces a su banda "La Franela", que esta con un nuevo álbum a la espera de lanzarse este año.

Antes de interpretar "Pacífico", uno de los últimos éxitos del grupo, Ciro le decía a toda la audiencia: "No soy bueno para los discursos. Entonces lo que tengo que decir se los voy a decir acompañando todo lo que se siente en este momento, de parte de la banda y mía, se lo vamos a decir a través de esta canción". Tras esas palabras procedieron a tocar la canción perteneciente a "Civilización" (2007) y que reflejaba las tensiones internas en la banda, que ya estaban anticipando su separación desde 2006.

Daniel Buira recordaría esa noche en una reciente entrevista con Teleshow, mencionando la mezcla de emociones que sentía en ese momento: "Era muy emotivo, muy fuerte. Pero la situación entre ellos no era ideal". También comentaría que, desde su punto de vista,  la separación era necesaria para que se diera un futuro reencuentro en algún momento. 

Tras la disolución de Los Piojos, surgieron conflictos entre los exintegrantes, especialmente con Ciro y su antiguo manager Pocho Rocca. En 2010, Tavo Kupinski expresó en una entrevista con Clarín su descontento, diciendo que desde 2004 la banda se había convertido en una empresa, y que las tensiones internas eran evidentes. En medio de las disputas, Ciro criticó a Cardero por un juicio, y a Piti por haber abandonado la banda, siendo "la única persona en 20 años" que lo hizo. Todo parecía ir a peor cuando en 2011 muere Kupinski, haciendo que la posibilidad de un reencuentro se desvaneció casi por completo, hasta ahora.

Pero parece ser que 2023 fue el año en donde las cosas empezaron a mejorar. Ya que, Micky Rodríguez se unió a Dani Buira y Chucky de Ípola para formar "Ritual 87", reviviendo asi los mejores años de Los Piojos.  Al poco tiempo, Ciro (que se encontraba dando un concierto junto con su grupo "Los Persas"), invitó a Piti al escenario para tocar juntos.  Es asi que llegamos al pasado viernes, cuando una publicación en Instagram levanto los animos de los fanáticos del grupo. Se habia creado un perfil oficial para Los Piojos y no perdieron ni un momento para anuncior la publicación de un nuevo álbum en vivo, "Ritual Piojoso", basado en su concierto de despedida.

Los fanaticos no perdido 
ni un segundo y, frente a los
rumores han colocado 
diversos pasacalles

Fuentes cercanas al grupo informaron a Teleshow que el regreso de Los Piojos es más probable que nunca, con posibles conciertos a finales de este año o principios del próximo en grandes estadios como River o Vélez, y la posibilidad de ser una sorpresa en el Cosquín Rock 2025. Los rumores de una reunión comenzaron a circular tras la participación de Piti en el show de Ciro, sugiriendo que el regreso de Los Piojos podría estar en el horizonte. Solo nos queda esperar hasta que Ciro, Piti o alguien termine de confirmar o no su vuelta. Mientras tanto, los fanaticos no han perdido ni un segundo en mostar su interes porque uno de los grupos mas queridos del Rock Nacional vuelva a sonar en vivo.

Twenty One Pilots - Clancy: Luchando contra la viñeta

El dúo estadounidense regresa tras tres años para cerrar finalmente la historia que arranco en 2015 con Blurryface y desvelar todos los secretos de su isla ficticia Trench

Twenty One Pilots es una de las bandas más curiosas y de las mas consistentemente inconsistentes que se puede encontrar allá afuera. Digo esto no solo por lo curioso que fue el cambio de "Blurryface" (2015) a "Trench"(2018), sino tambien por el giro tomado desde ese trabajo que llevo a otro cambio con "Scaled Ans Icy" (2021), haciendo dificil saber que nos podiamos esperar para esta nueva placa.

 

Curiosamente, Clancy no parece ser nada de lo en un inicio pudieramos anticipar. No es lo que sus fanaticos querian de este dúo y tampoco lo que muchos esperabamos de Twenty One Pilots. Esto ya le hace ganar puntos porque subvierte por completo nuestras expectativas y nos arroja a un estilo y sonido completamente nuevos. Es decir, logran que estemos mas atentos a lo que sea que quieran decir en esta ocasión.

Si algo siempre ha hecho bien TOP son los inicios de sus discos ("Heavydirtysoul", "Ode To Sleep" o "Jumpsuit" son muestra de ello), y aquí no rompen con esa tradición. "Overcompensate" empieza con unas notas de piano que, rápidamente, son interrumpidas por una serie de sintetizadores absolutamente y un cambio de ritmo que da paso a la batería. Tras romper con el ambiente un narrador nos da la bienvenida a "Trench", y cuando la voz de Tyler empieza a emerger y darnos una idea de cómo será el tema finalmente, corte y vuelta a empezar. Ahora estamos con la misma base, pero con Tyler rapeando y, ahora sí, ya tenemos como es la canción inicial definitivamente. Sin duda, se nota que pensaron en profundidad este inicio porque no solo senta un gran tono para el resto del álbum, sino que logra enganchar rápidamente a los que sean fanáticos de las distintas facetas del grupo. Además de dar las primeras gotas de esta nueva historia (Nací justo aquí, justo ahora. Me origine justo frente a tus ojos. Si no puedes verme, soy Clancy).

Y tan rápido termina el tema de apertura arranca "Next Semester" que da un golpe en la mesa, de lo más inesperado que se podía encontrar en este disco realmente. Sonoramente, esta canción es un tema de "Punk-Revival" que intenta, mediante el canto de Tyler, parecer un grito desesperado, pero también esperanzador (principalmente por su parte final a guitarra acústica). Quizás, lo más interesante es su letra deprimente, que da indicios de un intento de un suicidio y si bien, se puede argumentar que esto está escrito para el personaje que protagoniza Clancy, toda la obra parece dejar más de un momento que se siente mucho más personal que ficticio.

Y personal suena "Routines In The Night" porque trata sobre el insomnio del vocalista de TOP, que lo trata más como caminar por una casa de recuerdos (“A través de los recuerdos, por los pasillos de mi cabeza”). La canción es realmente suave y con un gran beat electrónico por parte Josh Dun. Durante sus casi cuatro minutos logras sentir esa melancólica que tiene el canto de Tyler, que se ve complementada por ese ruido que suena a una alarma rasgada que va asomándose por todo el tema."The Craving" fue el último sencillo previo al lanzamiento del disco. Pero aquí vemos una versión acústica, que sigue abordando temas personales de Tyler, dado a que está dedicado a su esposa, Jenna. Unas notas de ukelele (elemento muy común en la banda) y un canto casi roto donde le preocupa no ser suficiente para hacerla feliz o no poder comunicarse sirven como un buen descanso a toda la fuerza que le vino antes. A pesar de no ser una canción destacada, cumple su función de separar las dos partes del disco y ya que es una tradición tener un tema hecho para Jenna desde Blurryface ("Tear In My Heart").

Aparte de "The Craving", tambien se lanzaron como
sencillos "Overcompensate", "Blackside" y
"Next Semester". Para esta ultima se utilizo como
videoclip partes de un concierto secreto que
ralizaron antes de la salida de Clancy.

La segunda parte no se anda con rodeos. Tras un "Lavish" que parece acercase al sonido psicodelico de Tame Impala y engaña al oyendete con que los niveles van a bajar pero no, antes de que eso ocurra aparece "Navigating". Unas notas de bajo y unos breves corros nos llevan a una de las canciones mas potentes de todo el disco (junto con la magnifica "Vignette" que debe tener el estribillo con mas fuerza de todo Clancy). Una buena contradicción entre un sonido alegre que se sostiene en teclados junto a los buenos cambios de tempo de Dun y una letra tambien directa pero mas amargar que no oculta esa sensación de que no se esta yendo a ningun lugar ("Estoy dando vueltas en mi cabeza, dame un consejo, estoy perdiendo todo este tiempo”). 

Una vez pasado este tema, ahora si, el sonido se relaja un poco y cerca del final unas notas que se sienten sacadas directamente de un circo nos llevan a "At The Risk Of Feeling Dumb" uno de los puntos mas altos del disco. El momento donde la producción mas brilla, esta lleno de detalles en todo momento. Y tambien brilla la entrega vocal de Tyler, por lo crcano y personal que se siente que es la letra, por lo crudo y tenso que suena. Es una canción que, qunque no lo parezca, muy pegadiza sobre como cuidar a tus amigos y no descuidarlos cuando se sientan mal.

El final del disco se da con la canción más larga de toda la carrera de Twenty One Pilots. Tambien es el cierre a la historia que han estado desarrollando durante casi una década con "Blurryface" (aunque para muchos fanaticos, ya en "Vessel" de 2013 habia algunos giños). "Paladin Strait" abre con unos acordes de ukele muy relajantes, mientras Clancy reflexiona sobre sus viajes para derrotar su antagonista, Nico. Y mientras sonoramente Josh aparece para poner una base que acelera el ritmo, dando reminicencias al lado mas electronico de Linkin Park; liricamente Clancy se da cuenta que ha llegado al punto de "no retorno", que está rodeado de obispos y que debe luchar (siendo consciente de que tiene muchas probilidades de perder). Después de esto, la canción corta todos los instrumentos y voces, dejándonos solo con el sonido del canto de los pájaros, posiblemente simbólizando cómo Clancy (o Tyler), ahora es libre. 

Luego de este momento de paz y silencio, los instrumentos regresan, o mas bien Clancy/Tyler vuelve con su ukelele para describir la batalla final, pero de repente, es interrumpido y sorprendido por la voz de Nico. Que simplemente se digna a decir “tan pocos, tan orgullosos, tan emotivos. Hola, Clancy” cerrando el círculo de Blurryface. (Porque estas son las mismas palabras que se mencionan en el tema "Fairly Local").

Twenty one Pilots logro con Clancy subvertir por completo todas las expectativas y nos dio un sonido que responde por completo a su trabajo anterior; Clancy en todo momento se mantiene completamente fresco, confiado y apasionado. Y aunque creo que, de hecho, hay un par de canciones que talvez no encajan en el paronama general ("Snap Back" se siente muy simple y mas como un descarte de algun disco anterior que quieran publicar finalmente), tambien creo que hay una gran mejora y que finalmente, lograron plasmar en un disco todo lo que siempre buscaban (tal como ocurrio con Trench) pero a la vez, adentrarse en algunos lugares que antes no querian o no podian.

Tambien se nota una gran mejoria en el apartado de la producción, que logra llenar de detalles todas las canciones; siempre hay algo ocurriendo por detras, algun beat, un instrumento o sonido que se alinea con lo que esta ocurriendo. Siempre hay campo para mejorar, y tanto Tyler como Josh lo han hecho desde "Blurryface" cuando el mundo los termino de conocer. Y ahora que esa historia esta finalmente terminada, solo es cuestion de tiempo para ver con que nos saldran, si daran una nueva vuelta inesperada o si, finalmente, van a seguir un misma linea sonora. Si es esto ultimo, tienen una base igual de solida que en 2018 tras hacer "Trench", pero ahora con mucha mas variedad.

Nota Final: 9

Listas Musicales: Un breve conteo de discos faltantes en el "Apple Music 100 Best Albums"

 

Apple Music ha sido causa de muchas charlas en estos ultimos dias, especialmente en X, debido a la publicación de su "Apple Music 100 Best Albums" , en donde tratan de dar una nueva versión de cuáles son los discos más importantes de toda la historia. Independientemente de quienes hayan participado en este conteo o de sus absurdas reglas (como el de no poner más de dos discos por artistas), hay cosas indefendibles que muestran que Apple no se tomó con mucha responsabilidad su labor. No solo hablamos de que discos que no cumplen más de un año tengan presencia sino también de grandes ausencias, algunas que son casi que inexplicables debido a su indudable influencia en el mundo y la cultura popular, por lo cual, hoy veremos algunos LP´s que deberían tener su aparición entre los 100 mejores discos.

Manu Chao - Clandestino (1998)

Como mencione anteriormente la lista de Apple posee varios problemas, entre ellos está la nula participación de discos que no sean de origen inglés (con esto refiriéndome a Estados Unidos y Reino unido), siendo la única excepción "Un Verano Sin Ti" (2022) de Bad Bunny. Claramente es un insulto muy fuerte que, países como Argentina, México, España, Chile, Etc no posean una mención siendo que cada uno de los sitios mencionados posee al menos un artista que, por derecho propio, merece entrar. Aunque peor lo llevan los franceses o los italianos que, salvo excepciones como Daft Punk (que tampoco tienen temas con su idioma original), no tienen algún artista que los represente. Graciosamente, si querían incluir un disco hispano que haya sido relevante e influyente para la música no tenían que ir muy lejos porque Manu Chao con "Clandestino" no solo puede ocupar el puesto de Bad Bunny tranquilamente, sino que, les hubiese dado una cuota extra de inclusividad porque este disco no solo se detiene a ser cantado en español, sino que, también hay temas en francés, inglés, portugués e italiano.

Nacido en París en 1961, José-Manuel Thomas Arthur Chao o "Manu Chao" es uno de los músicos progresistas más reconocido en el mundo franco e hispanoparlante, este cantautor siempre a utilizado su música como una forma de criticar a los corruptos, unir al pueblo y exponer los mayores dolores del pueblo hispano (discriminación, desigualdad, guerras, etc.). Y todo esto no se muestra de mejor manera que en su debut "Clandestino", un poderoso viaje de canciones con bases similares que nos transporta a un potpurrí de sonidos característicos de América Latina que van desde la salsa, rock, pop francés, rock experimental y tecno. Todo enlatado con el mayor de los espíritus Reggae. 

Todo el trabajo tiene esta sensación de ser una radio antigua que te acompaña, en parte gracias a los samplers que utiliza. Entre relatos de futbol en portugués, canciones que reflexionan sobre la situación de Latinoamérica (Clandestino/Desaparecido o El Viento), momentos de pura alegría (Luna y sol) y otros más lentos (Mama Call o La Despedida) Manu Chao nos ofrece una de las obras más singulares, experimentales y cercanas que se puede escuchar en Reggae Latino. Sin duda no tiene el alcance de Bad Bunny pero los méritos y el legado que ha dejado Manu con este trabajo hace que siempre que se haga una lista de este estilo deba ser tenido en cuenta, lamentablemente parece que como sus mensajes, el siempre pasara desaparecido para las grandes listas.

The Beatles - Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band (1967)

Tras esa descargar totalmente necesaria pasamos a un disco que no se entiende como puede ser que no esté en la lista. Si bien es cierto que The Beatles aparecen dos veces (con Revolver y Abbey Road), al igual que otros músicos como Radiohead o Prince, no hay forma en la que se haga una lista objetiva de los mejores discos de la musica y no incluir al Sargento Pimienta, porque si hay un disco con el que romper esa regla de no más de dos menciones era con este porque "Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band" no es un disco cualquiera, es "el disco" aquel que cambio como se entendía varios conceptos musicales y que se encargó de cambiar la historia de la música en ese momento. Es, en muchos aspectos, uno de los discos más innovadores tanto en el sentido artístico como técnico.

La idea central del álbum es que el cuarteto de Liverpool tomaría el papel de "La banda del Club de Corazones Solitarios del Sargento Pimienta", dejando asi atrás las limitaciones que podrían tener y hacer lo que realmente quisieran. ¿El resultado? 13 canciones que llevan al límite el concepto del rock, agregando orquestaciones, instrumentos hindúes, grabaciones tocadas al revés y sonidos de animales. Rock psicodélico, baladas, jazz y hasta música oriental se mezclan en esta obra maestra.

Quien destaca en medio de toda esta creatividad nunca antes vista es Paul McCartney que entrega desde el primer minuto el tema que da nombre al trabajo “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club” sentando así el ambiente perfecto para lo que vendrá. “Getting Better” a dueto con Lennon muestra las tan diferentes perspectivas de ambos miembros con guitarras y coros pegadizos. En el medio no podía faltar Geirge Harrison que entrega una muy buena canción psicodélica de tintes hindu como “Within You Without You”. Por su lado Ringo toca "With A Little Help From My friends" que se sostiene en su potente voz y su juego de coros con Macca y Lennon; y hablando de el. Los dos temas donde Lennon aporta su inmensa genialidad son  “Lucy in the Sky with Diamonds” (que compite con “Fixing a Hole” por ser la canción más extravagante del disco), compuesta a partir de un dibujo de su hijo y  “A Day in the Life” a puntos más altos de la música de los años 60´s y aquel tema que condensa la gran importancia e influencia que ha marcado este trabajo en toda la industria musical.

Joy Division - Unknown Pleasures (1979)

Joy Division es una de las bandas más emblemáticas del Reino Unido y que mas han influenciado a diferentes generaciones de músicos. Formada en 1977 en Manchester, su breve carrera solo les dio para lanzar dos discos que, en el caso de su debut "Unknown Pleasures" les basto para recibir el nombre de "La Banda Oscura" o "muerta" debido a la atmosfera fúnebre y sus letras dignas de Edgar Allan Poe. Con influencias que van desde: The Velvet Underground, The Stooges, Sex Pistols hasta el glam de David Bowie; la banda liderada por el cantante Ian Curtis tomaria un poco de cada una y para mezclarlo en un estilo que sólo pocos han podido interpretar tan bien como ellos: el "Post-punk".

Unknown Pleasures ya muestra todas sus cartas con la inicial "Disorder" donde Curtis, sostenido por unas magníficas líneas de bajo por parte de Peter Hook, ve que como hay personas que están completamente felices con sus vidas y quiere saber por qué él es la única excepción. Mas adelante con otro bajo sensacional y ruidos como si se tratase de una maquina de vapor "She’s Lost Control" aparece y te transmite a la perfección ese sentimiento que debe sufrir alguien con epilepsia (como era el caso de Ian). Cerca del final "Interzone" arremete con sorpresa, casi como si fuera un tema colado de The Clash y pone en la mesa ese ambiente fiestero pero depresivo de Reino Unido a finales de los 70´s; conflicto que se ve consumado un poco antes con "Shadowplay" con sus guitarras que gritan duque blanco por todos lados, siendo la cereza sobre el pastel los como cristales rotos y pasos, que llevan la tortura mental de Curtis al mundo real de "I Remember Nothing" concluyendo así uno de los discos más importantes de mundo independiente, uno que sorprende que ni siquiera haya aparecido en los puestos más bajos de la lista.

Depeche Mode - Violator (1990)

Para finalizar por el día de hoy, tenemos al a obra maestra de Depeche Mode "Violator". Sin duda, el disco más importante de la banda, y el más representativo del subgénero "Dark Wave", teniendo en su tracklist canciones tan icónicas como "Policity Of True" que juega con uno de los conceptos establecidos por Orwell para replantearlo dando como resultado un tema atmosférico en donde si bien la honestidad es bien valorada, hay momentos donde es mejor ocultar la verdad o mentir; así como se esconden esos saxofones sintéticos y la bella guitarra al final de cada estribillo.

Pero más icónica es "Personal Jesus" una mezcla perfecta entre la música electrónica que siempre los ha caracterizado con uno de los riffs más icónicos pertenecientes a un tema no particularmente rockero. Y si hablamos de temas para nada rockeros pero 100% clasicos instantáneos tenemos desde la inicial "World In My Eyes" con ese Tecnopop seductor o "Sweetest Perfection" con un efecto que se repite una y otra vez haciendo a los distintos estribillos sus propias melodías pulsantes. Tampoco hay que olvidar a "Blue Dress" una canción puramente atmosférica pero sensible que habla del amor y los deseos, con una base electrónica muy suave que, junto con la interpretación de Graham la hacen pasar como una balada.

Pero lo que termina de elevar a "Violator" como aquel disco que llevó la música electrónica a un público más amplio y estableció un nuevo estándar en el género es la inigualable "Enjoy The Silence", el tema que es sinónimo de Dark Wave, con su enigmática pero poética letra, con sus notas de guitarra, con esos coros finales que llevan a su inesperado, y espeluznante, cambio de onda que lleva a reflexionar sobre lo escuchado hacen inentendible como semejante obra maestra no entro en la lista.

Oasis anuncia una reedición de Definitely Maybe por su 30º aniversario

 

El mítico álbum debut de Oasis, "Definitely Maybe", lanzado en agosto de 1994, marcó de manera definitva la decada y establecio cual sera el nuevo sonido de moda: el "Britpop", un estilo de rock y pop que conllevaba una creciente sensación de cambio y esperanza en el Reino Unido y que bebia todo lo posible del sonido ritmico de los años 60´s.

Para celebrar el icónico debut de Oasis, tres décadas después de su lanzamiento original, el 30 de agosto de este año se lanzará "Definitely Maybe (30th Anniversary Deluxe Edition)". Este relanzamiento incluirá temas descartados de las sesiónes de grabación realizadas en Monnow Valley Studios, junto con tomas de la versión definitiva que fue grabado en Sawmills Studios en Cornualles, recién mezcladas por primera vez por Noel Gallagher y Callum Marinho. También se incluirá una versión demo de la inédita "Sad Song", que originalmente aparecia como un bonus track en los cd´s y vinilos de Japón. Esta nueva version tendra la voz de Liam Gallagher, en vez de la de Noel (quien se encargaba de la parte vocal en su versión original). 

El álbum contará con varias ediciones: 4 vinilos, 2 Cd´s, casettes y el formato digital para los servicios de streaming. Fiel al estilo clasico de "edciones aniversario" la edición en vinilo es quien sale ganando ya que se incluiran un vinilo negro, uno marmolado azul y blanco, junto a una ultima variente en marmolado rosa y blanco;  por su parte los casetes tendran una variente de color azul. Junto con los nuevos formatos y colores, se incluirá una nueva obra de arte y notas del jefe de Creation Records, Alan McGee, y del periodista Hamish MacBain.

¿Pero porque son tan interesantes estas nuevas grabaciones? Pues, después de firmar su contrato discográfico, Liam y Noel Gallagher junto a Paul "Bonehead" Arthurs, Paul McGuigan y Tony McCarroll se trasladaron a los estudios de Monnow Valley, en las fronteras galesas de Monmouthshire, para capturar la energía cinética de sus shows en vivo en el disco. En ese momento, las grabaciones iniciales se sentían "demasiado técnicas y pulidas", y no lograban capturar la esencia de la banda. Es por eso que estas sesiones fueron finalmente descartadas, y la banda se mudó a los confines remotos de Sawmills Studios en Cornualles para volver a grabar el álbum. Eventualmente, con la incorporación de Owen Morris pudieron conseguir las mezclas definitivas y lanzar "Definitely Maybe" tal como lo conocemos hoy en dia.

En la actualidad el debut de Oasis está certificado por como ocho veces platino en el Reino Unido, vendiendo más de 6.1 millones de copias en todo el mundo y es el segundo álbum oficial más transmitido de los años 90 en el Reino Unido, superado solo por su sucesor "(What's The Story) Morning Glory?" (1995).  Actualmente la banda, pese a estar demasiado lejos de una reunion, parece estar teniendo un resurgimiento mediatico, ya no solo porque parece ser que veremos nuevas ediciones de sus clasicos, sino porque este mismo 2024 fueeon nominados para la edición de 2024 del Rock Hall of Fame. 

Notas relacionadas: Análisis - Oasis: Definitely Maybe (30° Aniversario)  

Últimos Lanzamientos: Lo mas destacado de la primera mitad de abril 2024

Dua Lipa - Radical Optimism

Fecha de Lanzamiento: 03/05/2024

Género: Dance-Pop 

Puntaje del Disco: ★ ★ ★ ✫ ✰

La tercera placa de Dua Lipa tenía un tarea difícil entre manos, que era igualar o superar al fantástico "Future Nostalgia" (2020). Y si bien el resultado nos ha dejado con alguno buenos temas, desafortunadamente Radical Optimism se hunde frente al océano de brillantez funky que convirtió a su predecesor en un fenómeno.

Es particularmente una pena que este disco no alcance todo lo que se propone porque hubo afirmaciones de que este álbum se inspiró en diversos géneros como la psicodelia, el trip-hop y el britpop. Todo esto habría servido para ver a Dua con un nuevo cambio, pero este llega muy temprano con la potente "Houdini" que entre lo diferente que se siente junto a una letra y sonidos que se alejan de esa idea de "autodescubrimiento" eclipsan al resto de temas. Después de este hit todas las influencias terminan esparcidas por todas partes, pero no lo suficiente. "Training Season" también resulta un hit pegadizo y, al igual que el tema anterior, se nota en los detalles que quien puso mano en la producción fue Kevin Park (aka Tame Impala) pero este segundo track es más convencional, más tirando al pop que Dua nos tiene acostumbrado.

Aun con estos problemas el álbum suena muy bien en su mayoría. El sonido general, pese a no sorprender, es realmente suave, destacando el muy buen un uso que se le da a las guitarras y baterías. "French Exit" y "Happy For You" son buenos ejemplos de ello. La interpretación vocal de Dua también es fuerte, aunque a veces un poco discordante en comparación con la mezcla suave (como ocurre en "Anything For Love"). 

En general creo que sigue siendo una escucha decente. Es suave y agradable, divertido y pegadizo cuando desea serlo, incluso si es extremadamente predecible. Además, tiene un ambiente veraniego que estoy seguro que la gente disfrutará en las futuras fiestas o como música de fondo. Tan solo lamento que no Dua no implemente ninguno de los elementos que hicieron a su trabajo de hace tres años tan divierto a la par que interesante; porque aquí son reemplazados por una dependencia excesiva a lo familiar, pero, nuevamente, dudo que algún oyente no encuentre una buena diversión en los casi 40 minutos que dura.

Knocked Loose - You Won't Go Before You're Supposed To 

Fecha de Lanzamiento: 10/05/2024

Género: Metalcore

Puntaje del Disco: ★ ★ ★ ★ ✫

Knocked Loose es uno de esos grupos modernos que están trayendo de vuelta el metalcore al mainstream y de la mejor manera posible, descartando todos los trucos que muchos grupos nos han acostumbrado y, por el contrario, simplemente optan por ir hacia una crueldad incomparable. Este concepto de ir por el camino más brutal lo vuelven a tomar en su nuevo álbum "You Won't Go Before You're Supposed To " . En sus 27 minutos de duración la banda estadounidense lleva todo a un nuevo nivel de pura rabia y tristeza sin filtrar. Todo compactado en densos, veloces e inquietantes exponentes del más puro metalcore de uno a tres minutos. 

No bromeo cuando digo que este trabajo es pesado y despiadado como el propio infierno, además de estar tan distorsionado que los limites ente instrumentos se pueden difuminar si no estas acostumbrado al género. El cantante Bryan Garris no se anda con rodeos y desde el inicio con los gritos de "Thrist" o la fuerza de "Suffocate" (donde se une de manera sorpresiva, pero muy bien implementada la cantante experimental Poppy) deja en claro que va dar la actuación de su vida. Pero sus compañeros Issac Hale, Kevin Otten y Nicko Calderón no se quedan atrás y se nota que buscan tocar algunos de los riffs y líneas de bajo más interesantes y potentes del año (prueba de ello está en "Blinding Faith"). Sin duda logran que el viaje sea una experiencia oscura de sube y baja sin fin.

Pero los riffs no sólo son terriblemente viciosos, sino que también son impresionantemente intrincados y técnicos de una manera que separa a la banda de todos los demás grupos de metalcore de la actualidad. A lo largo del álbum, nos golpean estas rupturas rítmicas, tonos de guitarra feos y, en ocasiones, espeluznantes, para ejemplo está el cierre con "Slaughterhouse 2" que parece el sinonimo perfecto de lo que sería trasladar un terremoto a algo sonoro. Quizas el punto mas debil  de este álbum es que es un poco monótono, pero para su suerte ya estaras llegando a los compases finales de la epica "Sit & Mourn" para cuando te des cuenta porque "You Won't Go Before You're Supposed To" es lo suficientemente corto para su bien y tiene el ritmo (junto con la energia) suficiente para esquivar este problema la mayor parte. En general, este será probablemente el mejor álbum de metal que salga este año.

Childish Gambino - Atavista

Fecha de Lanzamiento: 13/05/2024

Género: Hip-Hop, Funk y Neo-Soul

Puntaje del Disco: ★ ★ ★ ✫ ✰ 

Atavista es la nueva versión del inacabado "3.15.20", lanzado en mitad en la pandemia sin portada, sin títulos de canciones ni promoción de ningún tipo, más alla de la tan querida "Feels Like Summer" con su buen video animado. Es interesante como Donal Glove (aka Childish Gambino) se ve que quiere quitar a su trabajo anterior del mapa para dr paseo este nuevo proyecto, esta idea sale porque, un dia antes de su lanzamiento oficial, se retiro el disco de streaming. Mas aun, puede ser como decide que esta sea su reaparición en la escena musical, siendo que tambien dijo estar trabajando en un nuevo trabajo.

El nuevo LP del actor de Community es, en muchos aspectos, una mejora completa del último proyecto de Gambino. Para arranncar en este recuento tenemos a Summer Walker que se sumaa al artista en "Sweet Thang" (‘24.19’), damdo un sonido similar al que Gambino sorprendio a todos en "Me and Your Mom" (2016). Por su parte, Young Nudy aárece en "Little Foot Big Foot" (‘35.31’) con un sonido funky alegre que se va lentamente moviendo en un tema mas de hip-hop para finalizar de forma anticlimatica, una jugada arriesgada pero que le termina funciondo. Para mi gusto lo mas interesante son, graciosamente, la incial "Atavista" (que es, junto a Human Sacrifice  los nuevos temas del disco) que muestra un sonido Soul combinado con unos teclados dignos de un hit bailable y el final con el caos alocado, y sumamente divertido, de "Final Church". Honestamente diria que este final es de lo mejor, engancha en sus momentos iniciales donde amaga con ser un tema de Eminem para que en su estribillo muestre sus cartas ritmicas y su magnifico coro (que se mezcla de maravillas con la voz de Donald).

Sin duda, Atavista es una mejora a un disco que, pese a que se sentia incompleto, ya estaba bien pero es que la producción/mezcla de esta versión finalizada es absolutamente una locura y muestra a la perfección cuantos cambios puede haber entre un proyecto sin finalizar y un LP completo. Aun asi no todo es victoria. Es casi inentendible porque Gambino decidio que "42.26" (osea "Feels Like Summer") fue retirado del LP siendo que se hubiese beneficiado de la riqueza sonora que se intenta, junto con varios pasajes que suenan veraniegos. Quizas, tambien le juegue en contra que en algunos momentos el disco cae en picada en pleno tema, como si esos cambios no se hubiesen terminado de definir y dijieron "que salga lo que salga". Aun asi, es bueno ver de vuelta a Donald y esperemos que su siguiente proyecto (que en teoria seria 100% original) siga subiendo el nivel.

Billie Eilish - HIT ME HARD AND SOFT

Fecha de Lanzamiento: 17/05/2024

Género: Alternative Pop y Indie Folk 

Puntaje del Disco: ★ ★ ★ ★ ✫

La idea de no estrenar ningún sencillo antes del lanzamiento de un álbum suele ser una buena estrategia para generar más sorpresa y anticipación, y tiene éxito en el caso de Billie Eilish, ya que su tercer álbum ofrece una buena cantidad de sorpresas. La mejor forma de describir esta tercer placa es como si Billie tomara el enfoque maduro y más comercial de "Happier Than Ever" y lo sumara a el extraño lado artístico y lirico de "When We All Fall Asleep...". El resultado, si se hace bien (y vaya si se hizo bien) nos da algo muy pegadizo, un tanto extraño pero poético.

Sin duda la voz de Billie se destaca bastante bien en este álbum; ella se siente mas comprometida que nunca y lo da todo de ella, lo cual encaja a la perfección con la riqueza sonora que tiene todo el conjunto. Eso no quiere decir que no abandone su característica melancolía más consistente, pero si que s renuevan y se adapta como en el inicio con"SKINNY". Las cosas definitivamente dan un giro con "LUNCH", un tema contagioso que grita ritmo de los 2000´s por todas partes, y cuya letra gira en torno a como Billie describe sus sentimientos por una chica. Por supuesto quien logra que todo funcione es su hermano Finneas con esos encantadores y pegadizos ritmos dance-pop alimentados por una línea de bajo que no tiene nada que envidiarle a John Deacon (Queen) o a Steve Lukather (Toto).  Y hablando de su hermano mayor. Se nota como, desde el sonido Indie Etrónico de "CHIHIRO" hasta la tierna Pop-rock que es "WILDFLOWER", cuanto le gusta a Finneas hacer que su hermana experimente con muchos géneros diferentes en cada álbum, y en este caso con respecto a los últimos 4 temas especialmente. , no es una excepción. 

La segunda mitad de este álbum comienza en una ruta similar a su disco anterior con "The Greatest" teniendo una primera mitad que es el equivalente a fuego lento hasta que escala a un clímax grandilocuente. Es cierto que no alcanza el mismo nivel de impacto emocional que otros temas de ella, pero funciona como un buen sucesor espiritual en términos de la poderosa actuación de Billie. La sorpresa es "L'AMOUR DE MA VIE", que comienza como un tema indie habitual para de golpe cambiar lentamente a un clímax Electropop, inesperado peo efectivo al mismo tiempo.

Por lo demas, quizas parezca que no hay mucho desde el departamento lírico, pero a diferencia del departamento de los poetas de Taylor que se encuentra totalmente derrumbado, la joven Billie si que logra un avance notable con HIT ME HARD AND SOFT, se la ve mucho más abierta, mas liberada. Y en parte esa liberación se ha conseguido gracias a que también hubo una fuerte evolución musical, con interpretaciones poderosas y una pasión por probar algo nuevo mientras no abandona sus rasgos más característicos que los fanáticos aman de su música.

Beyoncé: COWBOY CARTER - Esto no es Texas, no hay retención

El segundo acto de la trilogía iniciada con Renaissance nos da un paseo por la cultura sureña con algunos mensajes políticos y personales de por medio.

Parece ser que el 2024 todas las mujeres que reinan en la musica pop se han puesto de acuerdo para que, cada una de ellas, saque su nuevo trabajo en fila. Y por lo visto, marzo fue  el turno de Beyoncé.

La cantante estadounidense viene de racha sacando en 2016 "Lemonade", considerado por muchos como su álbum más destacable y en 2022 "RENAISSANCE" que logro mantener el nivel y posicionarse como uno de los trabajos mas destacados del año (llegando al primer puesto en algunas listas como en AOTY, Rolling Stone o Pitchfork). Es asi que cabe la pregunta ¿esta COWBOY CARTER a la altura de sus predecesores? ¿sera este el disco definitivo de Beyoncé?. Bueno es algo que averiguaremos en breve.

Más allá de la polémica que rodea al nuevo trabajo de la cantante (porque se ve que a sus fanaticos y al publico estadounidense no les gusto mucho que se centre mas en el genero Country como eje para el concepto del disco), es imprescindible mencionar el torrente politico que el disco ofrece. COWBOY CARTER se presenta con total honestidad en cuanto a su mensaje en todo momento. No es coincidencia que apenas arranque el LP nos encontremos con una versión de la canción "Blackbird" de The Beatles (que es, en esencia, una metáfora sobre como los pueblos afroamericanos buscan libertad). No sabría decir exactamente algo sobre este cover, porque está bien pensado, así como bien interpretado, pero es que teniendo la base del tema original de McCartney ya tienes la tarea casi hecha. Aunque si que sirve para establecer el tono general. Mas adelante aparece un interludio "DOLLY P" donde la cantante de Country "Dolly Parton" sugieren una conexión entre el personaje de Beyoncé que protagoniza el disco, Miss Honeybee, y su canción "Jolene", que suena apenas el interludio termina. Al igual que el cover a The Beatles esta nueva versión no es mala, pero tampoco destaca en algo particularmente, diría que de hecho queda por detrás que la original de Parton porque la voz de Beyoncé no se siente del todo natural.

Sin ser los mejores temas del mundo, ambos covers ya nos ponen en ambiente sobre las posiciones de la cantante y en que se movera con este disco. Es entonces que COWBOY CARTER adquiere un mayor valor lirico donde prestar atención a las interpretaciones juegan un rol crucial, ya que, a diferencia de sus trabajos anteriores, en esta ocasión Beyoncé ha dejado de lado la alta producción para centrarse en el mensaje, complementándolo con arreglos sutiles que suenan más bajos en comparación con sus producciones mas habituales. Prueba de esto es uno de los sencillos principales "16 Carriages" que comienza con un habitual sonido acústico sureño pero luego explota con  órganos e instrumentos de percusión. Aqui si creo que la narración empieza a despegar porque, junto con el mensaje general de hacer notar a los artistas afros del Country y la escena politica, Beyoncé detalla las emociones por las que tuvo que pasar al convertirse repentinamente en una estrella infantil.

Hablando de sencillos, destaca el lanzado como principal para representar el proyecto "Texas Hold 'Em" un tema Country-Pop enérgico que se mantiene energeticamente calmada y alegre. Realmente se sostiene bien gracias al buen uso de ese estilo sureño y los breves corritos pegadizos que mete en su primera parte. Es interesante ver la alegria que tiene Beyonce mientras canta con orgullo sobre su educación en Texas. Y aunque es un poco tema SOR (canciones hechas para las radio), no le quita lo divertida que se vuelve escucharla. Tambien es divertida de escuchar "Body Guard". Bastante interesante por sus notas de piano y la emoción que le pone a su interpretación vocal. 

Lamentablemente apartir de que se pasa todo lo mencionado, es decir a partir del tema 11 exactamente, el disco empieza a perder fuerza y se dislumbran los fallos. Mientras que, temas como "Spaghetti" y " ALIGATOR TEARS" logran mantener el nivel (aunque si acercarse a lo conseguido en los temas que les preceden) hay cosas incomprensible como todo el "tercer acto" que resulta ser lo más flojo del disco al alejarse del sonido que tanto se esforzo la artista en conseguir. Diria que este acto arranca con la engañosa "Ya Ya"; y la menciono asi porque da la sencacion de no encajar para nada con todo lo visto antes mas alla de su letra donde Beyoncé critica a la sociedad estadounidense, sacando a relucir la historia que el pais ha tratado tanto de borrar o limpiar. Sin duda es un buen tema, (con mucha energía, riffs animados) y es por eso que es engañosa porque apenas termina le sigue "DESERT EAGLE" (que no aporta nada y es solo relleno), la decepcionante "RIIVERDANCE" que intenta volver al Country pero con una influencia mas House que solo la hace ver generica. Lamentablemente, las siguientes dos pistas no me gustaron.

Y la cosa no mejora mucho al llegar "Sweet Honey Buckin". Una pena porque su tema anterior "Tyrant" levantaba nuevamente el nivel con un trap simple. El problema del tema que tiene a Shaboozey como colaborador es que se siente como un fuerte descarte de algun otro rapero estadounidense. Por suerte el disco finaliza con "AMEN" otra pequeña balada de piano de cola con trompetas y cánticos temáticos que, cierra un trabajo que debio terminar, como minimo, diez temas antes.

El principal problema que tiene COWBOY CARTER es que intenta ser dos discos uno: El primero es uno de Country con mensajes personales y que aborda temáticas raciales, pero con el toque Pop que Beyoncé sabe hacer; mientras que el segundo disco parece mezclar esto con sonidos más comerciales o mainstream, algo completamente innecesario porque vuelve al conjunto más largo e inconexo. Difícilmente un disco con 27 temas puede sostenerse de esta manera y menos aún si se hace un cambio tan abrupto. Sorprende que, no hubiese tomado otra idea de The Beatles y separar el disco en dos (como justamente The White Album, álbum en donde sale Blackbird) para que la experiencia se sienta más ligera. Pero mas allá de esto hay otro problema, aunque un poco menor.

Y es que como mencione el disco tiene 27 piezas musicales, pero en realidad COWBOY CARTER está repleto de interludios, los cuales...están bien, pero tienen sus "cosillas". Algunos de ellos parodian programas de entrevistas mientras anuncian la siguiente canción, lo cual me pareció inteligente. Mientras que otros se conectan con los temas de la pista siguiente y si bien ayudan a que el flujo del álbum parezca más natural, se siente que muchos de ellos son relleno puro y duro, muchos me parecen hasta inútiles.

A pesar de su duración y un poco de relleno, COWBOY CARTER es un buen disco, que por poco no llega a ser un gran álbum. Probablemente si metemos este nuevo disco en una balanza este nuevo proyecto está un poco por debajo que "RENAISSANCE". Aun así, es interesante ver como Beyoncé intento dominar las listas de Country, dejando un par de temas memorables en el camino.

Nota Final: 7,3

"Mind Games" de John Lennon celebra su 50º aniversario con Ediciones Deluxe y Súper Deluxe

En octubre de 1973, John Lennon lanzaba su cuarto álbum como solista, "Mind Games". El disco surgio durante un periodo dificil para John, pues un año antes publico "Some Time In New York City" que fue considerado (tanto por la critica como a nivel personal) un desastre, tanto es así que el exbeatle dejó de hacer canciones políticas en sus proyectos; y su relación con Yoko empeoró tanto que terminaron separándose por un tiempo (lo que hoy en dia se conmoce como "La semana perdida"). Bajo este paranoma Lennon saco un disco que, pese a tener ideas interesantes, fue recibido de manera mixta pero que no le impidio ser un exito en su momento, devolviendo a cantante ingles al Top 10 (tanto en Estados Unidos como en Reino Unido), llegando a ser disco de oro. Además de lograr que el single de mismo nombre ente en el Top 20 de EE UU.

Hoy en dia, a 51 años de su lanzamiento, Mind Games es visto como un disco de culto,  recibiendo (como mucho del material solista de los beatles) una reivindicación entre los fanaticos y expertos en musica que lo ha posicionado como uno de los discos solistas favoritos del musico. Teniendo este segundo aliento con el publico no es de sorprender que se haya anunciado que Mind Games se unirá al conjunto denominado "Ultimate Collection". Esta serie recopilatoria, iniciada en 2018 con la reedición de "Imagine" (1971) y continuada en 2021 por la versión definitiva de "Plastic Ono Band" (1970) se encuentra supervisada por Yoko Ono, junto a su hijo, Sean Ono Lennon.

El plan, según Ono, es que "Mind Games" sea reeditado el 12 de julio, bajo el nombre de "Mind Games: The Ultimate Collection", y, como ocurrio con los dos proyectos anteriores, estará disponible en varios formatos, incluyendo una "Edición Súper Deluxe" y una "Caja de Edición Estándar Deluxe". La "Edición Súper Deluxe" añadirá un set de vinilos a los CDs y Blu-ray, y se presentará en una caja de 13´ con ilustraciones ineditas de edición limitada. Ambas ediciones incluirán, junto a las nuevas mezclas del álbum, tomas descartadas, instrumentales y conversaciones que el musico realizo con sus compañeros de banda en el estudio.

En medio del anuncio por la reedición del disco Yoko salio a hablar con la prensa, recordando, que pensaba del disco, diciendo que: “John estaba tratando de transmitir el mensaje de que todos jugamos juegos mentales. Pero si podemos jugar juegos mentales, ¿por qué no crear un futuro positivo con ello, que sea un juego mental positivo? ´Mind Games´ es una canción increíblemente fuerte. En ese momento, la gente no entendió del todo el mensaje porque esto era antes de tiempo. Ahora la gente lo entendería. De todos modos, no creo que en aquellos días la gente supiera que estaban jugando juegos mentales”.

El lanzamiento de "Mind Games: The Ultimate Collection" tambien incluirá "Evolution Documentary" un documental, como bien indica el nombre, que muestra como fue el proceso creativo que llevo a la creación del álbum en 1973.

¿Roxette regresa a los escenarios? Per Gessle dice que si y lo hará con una nueva vocalista

 

El 9 de diciembre de 2019, el mundo de la música perdio a una de las cantantes mas importantes que se ha visto. Marie Fredriksson, la vocalista de Roxette, perdia su batalla contra un tumor cerebral a los 61 años. Ahora, casi cinco años después, Per Gessle, fundador y guitarrista del dúo sueco, ha anunciado el regreso de la agrupación con una nueva compañera: Lena Philipsson, una compatriota con quien ya colaboró en la década de los 80´s.

Roxette es conciderada como la
segunda banda de origen sueco mas
exitoso, solo por detras de ABBA.

"Es imposible reemplazar a Marie Fredriksson y jamás tuve esa intención...Estoy entusiasmado por continuar ese recorrido, pero con un nuevo camino. Claro que si Marie estuviese aquí, lo haría con ella", expresó Gessle sobre este anuncio que, sin duda, impacta a los fans y genera ciertas dudas, ya que nunca es fácil sustituir a alguien que ha tenido tanta influencia en un proyecto, mas siendo uno de los grupos mas recordados de su generación.

"Quiero mantener vivo el legado de Roxette", añadió el músico, que logro hacerse un nombre importante en el mundo junto a Fredriksson con éxitos como "It Must Have Been Love", "Listen to Your Heart" y "Joyride". "Se trata de mis canciones de Roxette que he estado escribiendo durante más de tres décadas. No voy a empezar un nuevo dúo. Marie siempre será insustituible. Sin embargo, tengo la suerte de haber encontrado una voz increíble y una intérprete brillante en Lena", reveló.  

Lena Philipsson, representó en 2004 a Suecia para la edición de Eurovisión llevada a cabo en ese año en Estambul, Turquia. Su actuacion con la version en ingles de su canción "It Hurts" la llevaria hasta el quinto puesto (y a un numero uno en las listas suecas de musica). La nueva cantante de 58 años también comentó sobre este nuevo desafío: "Estoy emocionada por embarcarme en esta gira. Tengo muchas ganas de trabajar con Per, es un compositor fenomenal con una fuerza musical inagotable".

Aunque aún no hay fechas establecidas, la nueva formación planea lanzar primero un nuevo álbum y luego salir de gira nuevamente. Para este proyecto, Gessle ha convocado a Clarence Öfwerman y Jonas Isacsson, dos músicos que acompañaron al dúo durante sus álbumes más populares: "Look Sharp!" (1988) y "Joyride" (1991).

Ademas, junto con el anuncio de su regreso, el grupo dio un adelanto, lanzado recientemente el 3 de mayo. En este nuevo tema  se da la peculiaridad de que utilizan su lengua natal para las partes vocales. De nombre “Sällskapssjuk”, aquí esta la nueva canción para que veas como suenan.

Oasis: Definitely Maybe - Me siento supersónico (30° Aniversario)

A lo largo de la historia de la música, desde que el rock & roll se volvió el género dominante, han sido muchos los que soñaron con convertirse en uno de los mayores exponentes del género. Concretamente, en los barrios pobres de Inglaterra, sea la década que sea, parece que ese sueño nunca se desvanece. Y en los 90 no hubo una mejor agrupación que representara dicho sueño que Oasis, liderada por los hermanos Liam (vocales) y Noel Gallagher (guitarra y segunda voz).

Todos sus miembros compartian ese sueño de ser los proximos The Beatles (o bueno ser incluso mas  grandes que ellos) y, pese a tener varios aspectos en su contra (como que ninguno fuera un prodigio con su instrumento). Nadie, ni siquiera ellos mismos, se iban a creer que, en 1994 apenas unos meses despues de la muerte de Kurt Cobain (dando el ultimo clavo al ataud del Grunge estadounidense) lograrian cumplir esa meta, dando paso a una de las más interesantes (y curiosas) discografias en las últimas décadas. Y todo esto se daria gracias a su álbum debut: Definitely Maybe, una verdadera joya que este 2024 cumple 30 años.

De izquierda a derecha: Noel Gallagher (guitarra principal), Paul
McGuigan (bajo), Paul Arthurs (guitarra
ritmica), Tony McCarroll (bateria) y Liam Gallagher (voz principal)

Aunque bandas como The Stone Roses habían marcado el camino a seguir por la musica inglesa, no seria hasta la llegada de Blur, Pulp, pero sobretodo, Oasis quienes lograrian ser la banda de Reino Unido capaz de reconquistar el mundo y ofrecer una alternativa al fenómeno Grunge, que estaba marcado por grupos oriundos de Washington D.C con tintes sinicos y pesimistas. Esta alternativa, seria la cada vez mas creciente escena "Britpop", que retomaba ese sonido de los años 60´s (The Beatles, The Rolling Stones y The Who) para resaltar el estilo de vida ingles y satirizarlos (como seria el caso de Albarn con Blur) o, como los hermanos Gallagher, mostrar como se mantiene esperanza aun es las calles mas pobres, dando un reflejo mas urbano del pais (pues los cinco miembros originales son oriundos de las zonas pobres de Manchester), algo que se refleja a la perfección en temas que rebozan optimismo y humanidad como "Live Forerer". Dicho esto, es facil notar, tras una primera escucha, que el debut de Oasis desborda energía, actitud, juventud, personalidad, frescura y, sobre todo, grandes canciones. 

Definitely Maybe comienza con "Rock 'n' Roll Star" un shock de adrenalina ritmica que hace que el disco arranque por todo lo alto, siendo su mejor momento cuanto la fuerza del tema se concentra en su estribillo: “¡Toniiight! ¡I’m a Rock and roll Star!!”. Sin duda, es una declaración de intenciones, la forma mas directa del grupo de decir "hemos llegado". Ya en su primer tema logran contagiar sus vibras y hacer que quieras saltar y gritar con Liam. Más adelante en el tracklist, canciones como "Up in the Sky" o "Bring It On Down" continuaran este golpe de adrenalina. Destacando la segunda en ser mencionada que logra mantener la maquina a toda potencia por casi dos minutos de solo instrumentos para rematar con una buena mezcla entre "Fade Out" e ir dejando de tocar el tema.

Pero pese a tener toda esa energia frenetica suelta, el grupo sabe tambien cuando colocar algunos temas mas comerciales y con los pies en la tierra. Sin ir lejos, en el punto medio de Definitely Maybe nos encontramos con su primer sencillo "Supersonic", un fantastico tema que, mediante la ingeniosa producción de Noel, se asoman ciertos sonidos Shoegaze que se ven potenciados por una letra simple (siendo solo una ocurrencia de Noel antes de grabarla), que la banda remata con un gancho espectacular "Nobody can see him. Nobody can ever hear him call". Tambien en una línea más comercial esta "Cigarettes & Alcohol" qu presenta una faceta rockera más contenida, con ese riff plagiado de T. Rex (al menos Noel reconoció que lo tomó prestado). Pero aun en su lado mas comercial hay unas sorpresas como las líneas experimentales y psicodélicas de "Shakermaker" que gritan 1966 con ganas, tampoco puede quedar atras la curiosa "Columbia", donde los hermanos Gallagher unen sus voces para formar la, probablemente, canción más singular de todo el disco.

Rock directo, momentos psicodélicos, alegría y melodías pegajosas son algunos de los engranajes de este gran debut, pero no los únicos. Definitely Maybe tiene quizás al Noel Gallagher con mayor sensibilidad para componer, no busca más de lo que puede hacer y no intenta saturar los temas con regrabaciones para crear más fuerza (como sí ocurrirá en siguientes proyectos como "Be Here Now" o "Standing on the Shoulder of Giants"). Canciones como "Live Forever" o "Slide Away" son prueba de lo que menciono; ambas están un escalón por encima del material que las acompaña, son momentos épicos que contagian esa alegría y energía positiva, van directo al grano y lo consiguen sin mucho esfuerzo.

Parte del exito de este debut se debio al marketing
que utilizo la disquera "Creation Records". Optando 
por publicitar al grupo en espectaculas de musica y
partidos de futbol.

Quizás, la parte más "débil" del disco es el cierre. "Married with Children", sin ser mala, es un final acústico raro, no encaja con el tema que le precede (ni con la energía general del disco) y le quita a Definitely Maybe terminar por todo lo alto. La elección es más rara sabiendo que tenían en el repertorio el himno "Whatever" (lanzada como sencillo en ese mismo 1994 pero que se quedo afuera del debut), que mostraría cómo el grupo era capaz de hacer temas simples pero, al mismo tiempo, composiciones más complejas con orquesta incluida. Tal vez el otro defecto que puede notarse es la inconsistencia en cuanto a la pared de guitarras que suenan durante cada corte, en parte entendible siendo que, para ese momento, estaban lejos de contar con los mejores equipos de grabación. No es un problema grave, pero puede que, para más de uno, termine siendo algo denso en las primeras escuchas (aunque no quita que en temas como "Columbia" o "Supersonic" sí que le sacaron ventaja y se siente que estás escuchando al grupo en vivo).

Pese a que muchos siempre ven la siguiente placa de Oasis, el comercial "(What's the Story?) Morning Glory" (1995), como el punto más alto de la agrupación, no podría estar más en desacuerdo. Es decir, no cabe duda de que en solo un año, Oasis terminó de demostrar de qué estaban hechos y lanzaron numerosos clásicos ("Wonderwall", "Champagne Supernova", "Don't Look Back in Anger"), pero este debut tiene esa picardía, esa potencia y ambición que un año después se volcaría a algo más accesible. Haciendo a Definitely Maybe un debut irrepetible y su disco más redondo y particular.

Nota Final: 10